JustMad3

Si de novedades se trata, ésta es una muy motivadora para comenzar el año. Como primera acción, tras mi incorporación entre sus artistas, ArtDelaProject me ha sumado a su presentación en la tercera edición de la feria de creación contemporánea emergente JustMad, dónde propondrá una instalación interdisciplinar, que engloba piezas de robótica artística, fotografía e ilustración alrededor de la reflexión sobre la naturaleza, sus comportamientos e integrantes, de la mano de artistas tales como Marc Espinosa, Varvara Guljajeva y Mar Canet, entre otros.

No puedes dejar de disfrutar nuestra interesante propuesta del 16 al 19 de febrero, de 11 a 21 h., en la habitación 423 del madrileño Hotel Silken Puerta America, en la nueva sección dedicada al video, la instalación y el arte sonoro, Forevertonight, del JustMad3.

+ info: www.justmad.es

 

 Habitación 423 del Hotel Silken Puerta America / Room 423 of Silken Puerta America Hotel

JustMad3

Just a very motivating piece of news to begin the year. After having become one of its artists, ArtDelaProject has summoned me for the presentation of the third edition of the contemporary upcoming JustMad creative fair, an interdisciplinary event, which includes pieces of artistic robotics, photography and illustration based on reflections about nature, its behaviour and its elements, through the hands of artists such as Marc Espinosa, Varvara Guljajeva and Mar Canet, among others.

You can´t miss the enjoyment of our interesting proposal for 16-19 February between 11am and 9pm, in room 423 of the Hotel Silken Puerta America in Madrid, the new section devoted to video, setting up and sound art, Forevertonight, by JustMad3.

+ info: www.justmad.es

 

Comenzó el 2012

 Ya os había comentado que el 2012 viene muy fuerte y prometedor, dejando ver los frutos del intenso trabajo realizado en 2011.

La primera gran noticia que quiero compartir con vosotros, es que a partir de este año tengo el honor de formar parte de la cartera de artistas de ArtDealProject, agencia de arte contemporáneo cuya propuesta es acercar al público proyectos de creadores emergentes.

Actualmente podréis encontrar un resumen en el porfolio localizado en www.artdealprojetc.com, sin embargo muy pronto os anunciaré el lanzamiento de una nueva versión (imagen corporativa renovada incluida) de su página Web, que contará con una galería y tienda virtual de las obras de los artistas representados por esta agencia.

Descarga su porfolio aquí


2012 has just started

I have already told you that that 2012 comes as a very powerful and promising year in which to harvest  the fruits of the work done in 2011.

The very first piece of news I want to share with you is that as from this year, I feel really pleased to belong to the ArtDealProject group of artists, an agency of contemporary art whose aim is to bring to the public projects of emerging creators.

You can now find some related information in the portfolio at www.artdealproject.com though  I will soon be announcing the launching of a new version (renewed corporative image included) of its Web page, in which you will find a gallery and virtual store of the works made by the artists represented by this agency.

Download their portfolio here.

Un año para agradecer

El 24 de diciembre de 2010, día en que cumplía mis 36 años, llegaban las impresiones de mis primeras cuatro obras y se abría allí un nuevo abanico de posibilidades a nivel profesional y una gran oportunidad para un trabajo interior personal.

Así como lo decía en mi primer "post" de este blog, me ha llevado a realizar este trabajo la búsqueda de libertad creativa, la necesidad de expresar y absoluta de crear, y sobre todo en esta etapa, el uso terapéutico y espiritual del arte.

Este primer año ha sido realmente intenso. Un camino de constantes aprendizajes y descubrimientos, repleto de coincidencias y despertares, uno tras otro y la posibilidad inmensa de conocer nuevas personas, profesionales y talentos (muchos ocultos), además de hacer nuevas amistades que tienen como punto en común el arte como una necesidad de expresión.

Por eso, a pesar de ser posible cometer el “pecado” de olvidar algún nombre, quiero aprovechar este espacio para agradecer infinitamente a cada una de las personas que me han apoyado en este año y aportado su pequeño (gran) grano de arena, con una palabra en el momento justo, una enseñanza, una señal, una oportunidad, un espacio, su confianza…

Gracias desde el corazón a: Gaby, Mariela, Romi, Gabrielo, Perico, Roxy, Valeria, Madelón, Rufo, Assun, Arielito, Marce, Tobi, Paulita y Bryan, Marian y Yai, Rama, Richy, Marisita, Lula, Abel y Naty, Ernesto, Angie (traducciones en blog), Julia (Magokoro), Pedro (fotografías para mi dossier), Tere, Christian (Mininux), Merche y Diego (Plazita Serrano), Tone (Ugly Shop), Jose y Juanjo (Jose Navarro Studio), Angel (La Prudencia), Luis (Estudio Digital), Isabel y Cristina (ArtDealProject), María Jesús (Galería Diez), Crisis Comics, Queralt y Jesús (GraficArtPrints), Amaia (La Cinta Roja), Sara (Alkimiarte), Mamen y Yanira (El Armario eventos), Veo Arte en todas Partes, Nuevas Tecnologías en el arte, Colectivo de Artistas Digitales, a quienes me siguen desde Magokoro, a cada uno de los que me han seguido en Facebook y en este blog este año, a mis padres y a mi hijo.

A Year to say “Thank"

On December 24, 2010, when celebrating my 36th birthday, I got the prints of my first four works of art, which opened up a new range of possibilities at professional level and gave me the great opportunity of exploring my personal inner self.

As I explained it in my first “post” in this blog, what has driven me to carry out this job was the search for creative freedom, the absolute need to express and create and, above all at this stage, the therapeutic and spiritual use of art.

This first year has been really intense: a path of constant learning and discovery, full of coincidences and awakenings - one after another -  and the fantastic  possibility of meeting new people, professionals and (many hidden) talents plus making new friends who have something in common, “art” as a need for expression.

That is why, although I may commit the sin of forgetting one or two names, I want to thank infinitely each and every one of the people who have supported me this year by doing their bit by providing me with either the right word at the right time, with a teaching, with a signal, with an opportunity or with their trust…

My real thanks to Gaby, Mariela, Romi, Gabrielo, Perico, Roxy, Valeria, Madelón, Rufo, Assun, Arielito, Marce, Tobi, Paulita y Bryan, Marian y Yai, Rama, Richy, Marisita, Lula, Abel y Naty, Ernesto, Angie (for her translations in this blog)  Julia (Magokoro), Pedro (fhotographs for my dossier) Tere, Christian (Mininux), Merche y Diego (Plazita Serrano), Tone (Ugly Shop), Jose y Juanjo (Jose Navarro Studio), Angel (La Prudencia), Luis (Estudio Digital), Isabel y Cristina (ArtDealProject), María Jesús (Galería Diez), Crisis Comics, Queralt y Jesús (GraficArtPrints), Amaia (La Cinta Roja), Sara (Alkimiarte), Mamen y Yanira (El Armario eventos), Veo Arte en todas Partes, Nuevas Tecnologías en el arte, Colectivo de Artistas Digitales, those who have followed me since Magokoro´s time, those who have followed me in Facebook and in this blog, my parents and my son.

Primera Exposición Colectiva de Estudio Digital

Tras una selección entre 400 artistas que componen la galería virtual de Estudio Digital, el próximo viernes 4 de noviembre, a las 20 h., quedáis todos invitados al Centro Cultural “Paco Rabal” a la inauguración de la Primera Exposición Colectiva.

Allí podréis disfrutar de dos de mis primeras obras (NatureEcstasy y Crystal) junto al trabajo de otros 15 artistas de diferentes modalidades y música en directo a cargo de David Roa compuesta especialmente para este evento.

Espero poder conoceros a todos allí y poder cruzar unas palabras!

Viernes 4 de Noviembre de 2011
Centro Cultural "Paco Rabal"
c/ Felipe Diego, 11 - Madrid

Ver plano aquí 

First Joint Exposition of  Estudio Digital

The Cultural Centre "Paco Rabal" is very pleased to invite you to the opening of the First Joint Exposition next Friday November 4th at 20.00 hours in which a selection of artists -out of the 400 that make up the virtual gallery of Estudio Digital - will have their works of art on display.

You will be able to enjoy my first two pieces (NatureEcstasy y Crystal) along with the work of fifteen other artists in different modalities plus live music composed by David Roa for the occasion.

I look forward to meeting all of you and being able to exchange a few words.

Sombras Borgeanas: una experiencia sublime (Primera Parte)

En el mes de julio, tras cinco meses de espaciada, pero intensa labor, he concluido la obra compuesta de seis imágenes en homenaje a Jorge Luis Borges, dejándome una brillante experiencia artística y una invalorable vivencia personal que me gustaría compartir con todos vosotros.

La experiencia Artística

Hablar sobre Borges era un gran desafío y compromiso. Si bien parte de su obra era de mi conocimiento habiendo despertado una gran admiración, sentí que no era suficiente para mí ilustrar algunos de sus relatos o poesías, sino que “Borges individuo” fuera mi punto de partida para conectar y plasmar sus sensaciones y sentimientos más profundos.

Un trabajo de investigación y un análisis fue necesario para meterme en la piel del escritor. Por ello comencé repasando su vida a través de biografías, documentales, entrevistas, homenajes, películas, poemas, opiniones, testimonios, conferencias, fotografías, etc., haciendo foco en cada vocablo, gesto, postura, expresión y razonamiento que me permitieran lanzar al papel palabras y conceptos que los unieran.
Una vez frente a la gran lista, sustraje algunas que destellaban ante mis ojos: ceguera, laberinto, espejos, libros, colores, cuchilleros, tiempo, milonga, sur, biblioteca, tigre, infinito, muerte, ausencia, miedo, soledad, sueño, fantasía, experiencia, valentía, entre otras.

La forma en que Borges percibía el tiempo y el espacio, determinaron en mí la utilización de la verticalidad en la mayoría de los casos (cinco de seis obras).
El tiempo para Borges, contrario a la horizontalidad del pasado – presente – futuro, transcurría de manera vertical (todo transcurre a la vez), recurso que utilizaba en su prosa para provocar verdaderos laberintos narrativos.

Por otra parte, una conferencia que llevaba como eje central su ceguera, me dio la fundamentación para la elección de la paleta de colores que utilizaría. Borges decía que fuera de vivir en un mundo negro profundo como muchos creían, lo hacía en una constante nebulosa azulada que a veces podía confundirse entre los verdes. El negro se había transformado en gris al igual que el blanco, el rojo intenso en ocre y sólo el amarillo oro se mantenía fiel a sus ojos. De allí su admiración a los tigres.

Una vez definida la paleta, sentí que las luces y sombras serían determinantes en este trabajo. La oscuridad era otro punto significativo en la vida de Borges y se debía representar directa o indirectamente.
También las texturas debían ser realizadas con rasgos mucho más definidos que en mis trabajos anteriores. En mis primeras obras los trazos tenían una especie de velo, similares a los que puedes provocar con un aerógrafo, mientras que en este caso deseaba se hiciera presente la textura del pincel y se pronunciaran más los contornos y contrastes, tanto en los fondos como en los protagonistas.
Normalmente este tipo de efectos se aplaca una vez plasmado en el papel bajo métodos de impresión tradicionales, mientras que en el giclée para mi era un gran enigma hasta la llegada de las muestras de color.

La elección del papel al momento de imprimir fue otra pieza fundamental para que la obra conservara la intención quería darle. Para ello mantuve el mismo papel que venía trabajando hasta el momento (350gm2, de textura suave, blanco natural, 100% algodón, libre de ácidos especialmente diseñado para la reproducción de arte), sorprendiéndome gratamente el resultado en las muestras. Su tono mate pronunciaba aún más los tonos ocres y la oscuridad que debía destacarse, mientras que las texturas quedaban pronunciadas en su justa medida.

Todos estos elementos formaron parte del camino para llegar hasta estas seis obras en homenaje a este genio de la literatura, que les presento a continuación:

1. IronicLife.jlb
2. Minotaur.jlb
3. GoldDarkness.jlb
4. BlindMonster.jlb
5. InfiniteReality.jlb
6. BorgeanMilonga.jlb

Y si os habéis quedado con ganas de saber más acerca de Jorge Luis Borges y entender mejor mi trabajo, os dejo el enlace a la primer parte de seis, de la conferencias sobre su ceguera, que dio en el Teatro Coliseo de la ciudad de Buenos Aires el 3 de agosto de 1977.

Borgean Shadows: a sublime experience (Part One) 

Last July, after five months of crisply though intense labour, I have completed a piece of work made up of six images to pay tribute to Jorge Luis Borges. They have left me an artistic and invaluable personal experience that I would like to share with you all.

The artistic experience

Talking about Borges was a great challenge that involved commitment. It is true that I knew about part of his work, for which I felt real admiration, but I sensed that such knowledge was insufficient to illustrate some of his stories and poems so I made “Borges, the human being” my starting point to connect and express his inner feelings and sensations.

Research work and analyses were needed to walk into the writer´s shoes; thus, I started to go over his life through biographies, documentaries, interviews, homage, films, poems, opinions, testimonies, conferences, photographs and the like, focusing on each word, gesture, posture, expression and reasoning that might allow me to put on paper words and concepts to link them.

When I was in front of the long list, I picked out the ones that glistened: blindness, labyrinth, mirrors, books, colours, “cuchilleros” (troublemakers dexterous at using a knife), time, milonga, south, bookcase, tiger, infinite, death, absence, fear, solitude, dream, fantasy, experience, courage….among others.

The way Borges perceived time and space made me use verticality in most of my works (five out of the six pieces)

To Borges, conversely to the horizontality of the past – present – future timeline, time passed in a vertical way (everything happening at the same time), overlapping being a resource he used in his prose to create real narrative labyrinths.

On the other hand, a conference spinning around his blindness served me as the basis to choose the colour palette I would use. Borges used to say that far from living in a pitch-black world as many believed him to, he lived in a constant blue nebula that could sometimes turn green. Black as well as white had turned into grey and intense red into ochre while only gold yellow remained faithful to his eyes, hence, his admiration for tigers.

Once the palette had been defined, I felt that lights and shadows would be determining in this work. Darkness was another meaningful point in Borges´ life and had to be represented either directly or indirectly.

Textures also had to be made with features much better defined than in my previous works.

In my first works, strokes had a kind of veil like the one made with an aerograph while in these pieces, I wanted to get the texture of the brush enhancing contours and contrasts both in the backgrounds as in the character sketches.

Normally, this type of effect is placated once put on paper using traditional printing methods, but doing it in gliceé was a real enigma to me until the colour samples were ready.

The choice of paper at the printing stage was another key factor for the piece to retain the intention I wanted to imprint on it. I used the same paper I had been using so far (350gm2, soft texture, natural white, 100% cotton, free of acids) especially designed for art reproduction. Its matte tone highlighted the ochre hues and the darkness that should stand out while textures appeared in perspective.

All these elements were part of the path I had to follow to conclude these six pieces to pay tribute to this literary genius I am introducing to you:

1. IronicLife.jlb

2. Minotaur.jlb

3. GoldDarkness.jlb

4. BlindMonster.jlb

5. InfiniteReality.jlb

6. BorgeanMilonga.jlb

If you still want to know more about Jorge Luis Borges and understand better my work, here is a link to part one (out of six) of the conference on his blindness delivered at Teatro Coliseo in the city of Buenos Aires on 3 August 1977.

Rompiendo Barreras

Cuando comencé este blog, al igual que mi página de Facebook, más allá de difundir mi arte, mi deseo era crear un espacio donde compartir mis vivencias y experiencias en cada paso de este camino y un vínculo más cercano con quienes disfrutaran de éste trabajo, permitiendo intercambiar opiniones y sensaciones para un mutuo enriquecimiento.

Normalmente los asiduos a Internet, sabemos que la expansión en la Red es infinita y constante, pero creo que no somos realmente conscientes del verdadero alcance que tiene.

En este corto tiempo, no sólo se ha cumplido el objetivo, sino que los visitantes a estos espacios trascienden los límites de España (dónde resido desde 2003) llegando a tierras de habla hispana como Argentina, Chile, Perú, Colombia, Puerto Rico, Venezuela, México, entre otros, y a pesar del idioma, a países como Estados Unidos, Alemania, Reino Unido, Italia, Francia, Bélgica o sorpresivamente para mí, a culturas como India, Arabia, Indonesia, Malasia, Ucrania, Rusia o Japón.

Por eso, rompiendo barreras, a partir de ahora, agregaré a este blog una traducción al inglés a continuación de cada post en su versión española, para poder estar más cerca y con más de vosotros.

Breaking barriers

When I started both this blog and my Facebook page what I had in mind was – other than make my art known – to create not only a space where I would be able to share my feelings and experiences but also a closer bond with those who enjoyed this work so as to exchange opinions and sensations for mutual growth.

As Internet surfers, we know that the Net expansion is infinite and constant, but I am convinced that we are not aware of the real limits it can reach.

Within this short time, I have accomplished the mission of breaking boundaries: surfers have visited my site not only from Spain (where I live from 2003), but also from Spanish-speaking countries such as Argentina, Chile, Peru, Colombia, Puerto Rico, Venezuela and Mexico among others, not to mention speakers of other languages from countries such as The USA, Germany, The United Kingdom, Italy, France and Belgium or even more surprising to me, from more distant countries like India, Arabia, Indonesia, Malasya, Ukrein, Russia and Japan.

That is the reason why from now on, I will add to this blog an English rendering of the Spanish version to be closer to many more of you.

Ventanas al exterior

Quiero comenzar esta entrada al blog, agradeciendo a cada uno de los que, de una manera u otra, van acompañando y aportando su granito (o toneladas) de arena en este proyecto.
En esta ocasión es directamente a quienes han abierto sus escaparates acercando mi trabajo a la gente.

Como muchos sabíais, desde el pasado 18 de febrero hasta el 27 de abril he sido invitado por los chicos de Jose Navarro Studio, para compartir su cálido espacio con algunas de mis obras en este espléndido lugar de la calle Ballesta 11, a pocos metros de la madrileña Gran vía.

Quienes se han perdido la MiniExpo o quieren repetir, tienen la posibilidad de encontrar algunas láminas a la venta en la Galería Diez (c/ Augusto Figueroa, 10), dónde además de ser los encargados de terminar las obras con su impecable trabajo de enmarcado, serán atendidos y asesorados maravillosamente.
Si preferís un ambiente más relajado o sois amante de los comics, podréis acercaros a Crisis Comics en la calle de la Luna, 28, un lugar especial para coleccionistas.
Y si no pasas por Madrid y ya has visualizado alguna de mis obras en aquel pedacito de tu lugar, puedes enviar un correo electrónico a info@arolart.com para informarte y buscar la mejor opción para el envío.

Un vez más, muchas gracias a todos!

A window out

I want to begin this entry to the blog by thanking each one of those who, one way or another, are accompanying me and contributing with tons (rather than grains) of sand to this project.; mainly those who have opened their shopwindows to bring my work closer to the people.

As many of you already know, the people from José Navarro Studio, a fantastic place at 11 Ballesta St. – a few metres away from Gran Via, have invited me to share in their cosy place with some of my pieces between 18 February and 27 April.

Those who have missed the MiniExpo or would like to see it again have the chance of finding a few drawings for sale at Galeria Diez (10 Augusto Figueroa St.) where the people responsible for the framing of my work will gladly assist and advise you.
If you prefer a more relaxing atmosphere or are keen on comics, you can drop by Crisis Comics at 28 Luna St., a special place for collectors. And if you are not in Madrid but have already seen some of my pieces somewhere in your own place, you can contact me via email at info@arolart.com to get information and find the best option for delivery.

Once again, thanks to everybody!

Propuesta!

Hace ya casi dos meses que no escribo en el blog y creo que es buena idea contarles el motivo de mi ausencia.

Además de estar en medio del cierre de una etapa muy importante para mí a nivel profesional (y personal), hace dos meses que he recibido una propuesta que me ha tomado por sorpresa, sobre todo teniendo en cuenta el poco tiempo que llevo desde que he tomado la desición de tomarme esta disciplina seriamente.

La proposición aún no es del todo firme, ya que está en pleno proceso de convocatoria y organización. Puede ser tanto allí como en cualquier parte, porque la idea ya esta concebida y es solo una cuestión de “sincronicidad” para que suceda. Y claro… igualmente había que ponerse a trabajar y no dejar pasar esta maravillosa oportunidad.
A los fines prácticos da un poco igual, ya que me ha servido como disparador creativo y un motivo para un nuevo desafío.

En principio la convocatoria es para una expo de artistas argentinos en homenaje a Jorge Luis Borges, a realizarse éste verano en Cerdeña, Italia.
Al recibir esta invitación lo primero que llegó a mi cabeza fue cuánto sabía sobre su vida y obra realmente, llegando rápidamente a la conclusión que mi conocimiento era escaso frente a su inmensa carrera.

Cuando comencé a investigar a partir de documentales, entrevistas y conferencias (que por cierto he publicado algunos en mi Facebook) me quedé realmente atrapado con Borges y la sabiduría de ciertos pensamientos, lo que motivó a detenerme en él como personaje y representar ciertos conceptos que llamaron mi atención.

Su proceso creativo, perspectiva de la vida, su ceguera, su niño interno, entre otros, me han seducido mucho más que su obra para esta ocasión, dejando rápidamente imágenes en mi cabeza, por lo que me encuentro ahora mismo en este proceso de bajarlos a la pantalla.

Espero tengáis paciencia, ya que no mostraré demasiado hasta terminar con la muestra completa (que por cierto, aún no se ni que cantidad llegaré a pintar). Igualmente podréis encontrar un pequeño adelanto en mi página de Facebook.

A proposal!

“We are our memory, we are that chimeric museum of inconstant shapes, that mound of broken glass”. Jorge Luis Borges

I haven´t been writing in the blog for nearly two months now and I think it is a good idea to tell you the reason for my absence.

Apart from being about to bring to an end a very important stage in my life both at professional and personal levels, two months ago I received a proposal that took me unawares, considering the little time that has elapsed since I made the decision of taking this discipline seriously.

The proposal is not altogether firm yet since it is in the process of convocation and organisation. It may be there or anywhere else because the idea has already been conceived and it takes only some “sincronicity” for it to come to life. Well…I should have to get down to work rather than let this wonderful opportunity go by. In any case, it has served me both as a creative trigger and as a motive for the new challenge.

The convocation is for an expo of Argentine artists to be held in Cerdeña, Italy, next summer as a homage to Jorge Luis Borges. The first thing I wondered when I got this invitation was how much I really knew about his life and literary work, promptly concluding I had scarce knowledge in comparison with his huge career.

When I started investigating in documentaries, interviews and conferences (some of which I uploaded in my Facebook) I got really trapped by Borges and the wisdom of some of his thoughts, which forced me to focus on him as a character and to represent those concepts that called my attention.

His creative process, his perspective of life, his blindness, his internal child among others have seduced me much more than his complete literary work for this occasion, leaving blueprints in my mind which I am now in the process of downloading onto the screen.

I hope you are patient enough, since I won´t show much until the whole set is complete (I don´t even know how many I´m going to paint) Anyway, you may find a little advance on my Facebook page.

Inspiración, técnicas y herramientas (Segunda parte)

Izquierda: Trazos en Freehand / Centro: Pintando en Photoshop / Derecha: Obra terminada
Left: Freehand strokes / Middle: Painted in PhotoShop / Right: Finished pieec

Tras haber hablado sobre las herramientas y técnicas más detenidamente, en esta segunda parte, deseo profundizar más sobre LA INSPIRACIÓN. Tarea difícil la mía, siendo algo complejo de describir, ante la infinidad de formas que tiene de hacerse presente o conectarse con cada uno (¿o somos nosotros quienes conectamos con ella?).

Carl Jung dice que “El arte es una especie de innata unidad que se apodera de un ser humano y lo convierte en su instrumento. El artista no es una persona dotada de libre albedrío que busca su propio beneficio, sino un arte que permite hacer realidad su propósito a través de él.”

Soy fiel a la idea que TODO es (y somos) una mezcla de energía e información y de ahí mi creencia en la existencia de una CONCIENCIA UNIVERSAL. Una especie de gran biblioteca cósmica dónde se encuentra el total de la información del universo y que cada ser, según su misión, sensibilidad, preparación, predisposición, etc., capta esa información para bajarla a través de un medio (arte, ciencia, etc) en un determinado lenguaje.
Esa gran masa de información está allí, fuera de todo tiempo y espacio y esperando ser canalizada.

El maestro Jorge Luis Borges, en una conferencia dada en el años 1977, refuerza de alguna manera este concepto: “El escritor vive la tarea de ser poeta. No es una tarea que se cumple en un determinado horario. Nadie es poeta de 8 a 12 h. y de 2 a 6 h. Quien es poeta, es poeta continuamente. Se ve asaltado por la poesía continuamente, de igual modo que un pintor siente que las formas y los colores están asediándolo…”

Bajo mi experiencia, podría asegurar que no existe momento ni lugar ideal para dar paso a las musas. Siempre ha dependido del grado de conexión que he logrado tener. Sólo una milésima de segundo basta para conquistar una idea, ya sea disparada por una situación en el metro, la montaña, un reflejo en un vaso con agua, un recuerdo, una frase de un libro o canción, o como me ocurre a menudo, una palabra, concepto o reflexión dentro de una charla entre amigos en la que exponemos nuestras vivencias, perspectiva de la vida y búsqueda personal.

En mi dinámica del proceso creativo, podría identificar algunas etapas claras que se repiten a lo largo de mi experiencia:

1. Inspiración inicial o Concepción: momento en que penetra en mi cabeza una primera idea, provocando una fuerte necesidad de trasmutarla en imágenes (palabras o sonidos), dejando atrás la inmensidad del papel (o pantalla) en blanco (que a diferencia de un trabajo de diseño / ilustración para un cliente, en el arte no me debo exponer forzosamente)
2. Desarrollo o Conexión: Esta es una etapa en la que puedo abstraerme casi por completo del mundo de los cinco sentidos (dejando en evidencia la teoría de la relatividad del tiempo y el espacio) y permitiendo fluir naturalmente imágenes y diálogos con la obra.
3. Caos: Este es un momento de transición o“bache” de incierta duración. Comúnmente provocada, en contraposición a la fase de desarrollo, por la necesidad de racionalizarlo todo, actuando en ocasiones como una auténtica trampa, generadora de un sentimiento (felizmente virtual y pasajero) de frustración. Un claro signo de que el Ego, a través de la mente, se ha apoderado de mí, nuevamente.
4. Orden del caos o Conexión final: Éxtasis es la palabra más indicada para describir la sensación en esta fase. Aquel rompecabezas caótico, se ordena milagrosamente, en un abrir y cerrar ojos, y por completo.
5. Concepción: Es el momento en que tomo distancia y al ver la totalidad de la obra, intuyo una voz diciendo “¡fírmalo!”, a pesar de haberme sentido un mero canal o instrumento para su materialización.

Igualmente no descarto generar nuevas dinámicas creativas según vayan surgiendo oportunidades de experimentar con la inspiración.
Sin ir mas lejos, hace unos días, ante una obra en proceso y en plena etapa de Caos, surgió una experiencia muy interesante, junto a una amiga psicóloga que cursa actualmente su especialización para terapeuta transpersonal.
Ante mi falta de inspiración, comenzamos a dialogar, descifrando espontánea e intuitivamente, el simbolismo encerrado en cada grafismo.
Si bien, como en los primeros casos, existió la aplicación conciente de algunos símbolos, la mayor parte tomó sentido ante éste auténtico juego de niños, que resultó enriquecedor para ambos. Un ejercicio que ha sido en si mismo un momento de inspiración y una transmutación de aquel momento de caos, en nuevo orden. Que si bien no generó la culminación de la obra, me permitió confirmar la acción terapéutica que ejerce el arte sobre el hombre.

Inspiration, techniques and tools (Second part)

After having expanded on tools and techniques in detail, in this second part I want to focus more deeply on INSPIRATION. It is quite a hard job to describe what it is for the infinite forms it has to come to us or to connect with us (o ris i tus who connect with it?)

Carl Jung says that “Art is a kind of innate unity that seizes a human being and turns him into its instrument. The artist is not a person who can make choices in his search to please himself; rather it is art which allows for his aim to come true through himself.”

I stick to the idea that EVERYTHING is (and we are) a mixture of energy and information, thus my belief in the existence of a UNIVERSAL CONSCIENCE, a kind of huge cosmic library where all the information about the universe can be found and which every individual grasps, regardless of his mission , sensibility, preparation and predisposition and passes on to others using different means (art, science, etc) in a given language.

Such mass of information is out there, beyond time and space awaiting to be channelled.

In a conference delivered in 1997, Jorge Luis Borges somehow reinforces this concept: “The writer lives on his capacity as a poet. It is not a job done at any given time. Nobody is a poet from 8 to 12 and from 14 to 18 hs. One is a poet continuously. Poetry comes to him continuously in the same way as shapes and colours come to a painter. ..”

There is no ideal time or place to let the muses in; personally, I have managed to get my inspiration more or less successfully depending on the degree of connection I have achieved. Just a second seems enough to grasp an idea, be it triggered either by a situation in the tube or on a mountain, by a reflection in a glass of water, by memories, by a phrase in a book or a song or as it many times happens, by a word, a concept or a reflection in a chat with friends in which we talk about our own experiences, our perspective of life and personal search.

In the dynamics of my creative process, I could clearly identify some stages that are repeated throughout my experience:

1. Initial inspiration or conception: it is the time an idea first gets into my mind, causing a strong urge in me to turn it into images (words and sounds), leaving behind the immensity of a blank paper (or screen) (which unlike a design / illustration job for a client, in art I am not compelled to show)
2. Development or connection: this is a stage in which I can detach myself almost completely from the world of the five senses (making it clear that the theory of relativity of time and space exists), which enables images and dialogues with the piece of work to flow naturally.
3. Chaos: this is a transition stage or “blank” of uncertain duration. Contrary to what happens at the development stage, it is commonly brought about by the need to rationalise everything, acting at times like a real trap, which generates a feeling of frustration (fortunately virtual and short-lived). It is a clear sign that my Ego has got hold of me once more through my mind.
4. Order in chaos or final connection: ecstasy is the most suitable word to describe the sensation at this stage. That chaotic puzzle falls in place miraculously at the blink of an eye and completely.
5. Conception: this is the time in which I take distance and on seeing the complete work, I sense a voice telling me “Sign it!”, despite my having felt nothing but a channel or instrument for its making.

I might generate new creative dynamics as opportunities appear to experiment with inspiration.
Only a few days ago, in front of a piece in the making and in the middle of the chaos stage, I went through a very interesting experience together with a friend of mine, who is a psychologist specialising to become a transpersonal therapist.
Due to my lack of inspiration, we started chatting and were able to decode spontaneously and intuitively the symbolism embodied in each graph.
It is true, there was a conscious application of some symbols as in the first cases, but most of it made sense when playing this authentic children´s game which turned out to be enriching for both of us. The exercise was a moment of inspiration in itself and a transformation of that moment of chaos into a new order. It did not cause the piece to be finished, but it helped me to confirm the therapeutic action art has on man.

Inspiración, técnicas y herramientas (Primera parte)

Izquierda: Cuatro pasos del proceso / Derecha: Obra terminada
Left: four stages of the process / Right: Finished piece

En lo personal, siempre me ha gustado saber que hay más allá de un trabajo terminado. Que es lo que ocurre en “la cocina” y cual es el proceso que se lleva para llegar hasta allí. Qué es lo que hubo (y hay) detrás de ese evento, espectáculo, obra de arte, etc. Quizás una “manía” adquirida al haber trabajado en el backstage de músicos y compartiendo desde organizaciones complejas, montajes de escenarios, giras y hasta ensayos a todo volumen en 15 metros cuadrados de pura adrenalina creativa.

Por eso, aprovechando la presentación de un “nuevo componente de la familia” (aún no materializado en papel), pensé sería buena idea poder mostrar y hablarles (lo más sintéticamente y con el menor tecnicismos posible) el proceso creativo que fluye en esta etapa.

En principio, muchos compartirán que la noche es el momento de inspiración casi absoluta. Cuando todos duermen y tu lado del mundo se aquieta, deja libertad para conectarte con el universo y recibir aquello que debemos hacer.

Curiosamente, si bien nunca he sido de bocetar mucho, en estas obras no lo hago en absoluto, y tiene que ver con este deseo de dejarme llevar y no tener (en oposición al trabajo de diseño / ilustración para una marca o cliente) un objetivo intelectual claro a dónde llegar.
Esto crea una dinámica totalmente libre que se va dando forma como si se tratara de un diálogo entre la pantalla y mi cabeza, preguntando a cada instante, qué y cómo quieres ser. Y como por arte de magia, estoy contemplando aquello que, hasta hacia unos días, era una gran masa blanca de inmensa NADA.

En este caso particular, la punta del ovillo ha sido una mirada y de ahí en más no sabía en que quedaría.

Por otro lado, como he comentado en otra oportunidad, en la ilustración soy totalmente autodidacta, por lo que no tengo técnica más que la que voy experimentando a medida que avanzo en cada pieza y las necesidades que voy teniendo.

La herramienta que utilizo en un 99% es Photoshop, y a lo sumo trazo alguna máscara en Freehand, muchas veces un simple rasgo a modo de guía.

En Photoshop las herramientas más habituales que utilizo son un pincel con punta aerográfica o simulando cerdas, con los que tiro los primeros trazos y bases. Luego voy deslizando con la herramienta del dedo, el cual me da la posibilidad, según la intensidad que escoja, de crear volumen y una textura similar al trabajo en óleo. También recurro a la herramienta de “subexponer” o “sobrexponer” para reforzar luces y sombras para un mayor realismo.

Normalmente trabajo gran parte de los elementos en capas para poder trabajar detalles con mayor detenimiento, y luego voy acoplando a medida que lo necesito.
Si pudierais ver mis trabajos en el ordenador, son un cúmulo de infinitas capas (o grupos de ellas) identificadas con una descripción (cuando recuerdo ponerlas).

En cuanto al color, no le doy importancia al comenzar una forma, sino que con la herramienta de ajustes de color y saturación voy escogiendo el que más se adapta y luego lo termino nuevamente a pincel.

Como podéis ver, las herramientas no son lo más importante para mi, por lo que puedo trabajar en cualquier versión de este software, al igual que los ordenadores que utilizo, sean portátiles o de mesa, (normalmente PC) en los que busco solamente poder acceder con mi disco duro portátil y darle un nuevo toque a mi archivo cuando me apetezca. Eso si. Desarrollando muchas veces, una capacidad de espera y paciencia infrahumana ante la lentitud de aquel veterano procesador.

En definitiva, para mi entender, tanto las técnicas como las herramientas, dan un poco igual frente a la inspiración, si tenemos claro qué buscamos y cual es el camino que mas nos llena el alma para dejarnos llevar hacia ello, hablemos de arte o cualquier cosa en esta experiencia llamada vida.

Inspiration, techniques and Tools (Part one)

At a personal level, I have always liked to know what is beyond a finished piece of art, what happens “in the kitchen”, what process gets me there, what has been and is behind such an event, show, work of art, etc. Maybe it is a “mania” I got while working in the backstage with musicians or sharing in more complex organizations stage assemblies, tours and even rehearsals out loud within 15 square metres of pure creative adrenalin.

Taking advantage of the introduction of a new “family member” (not put down to paper yet), I thought it would be a good idea to show and to tell you (as briefly as possible and keeping the use of jargon to the minimum) about the creative process that flows at this stage.

Many will agree with me that the night is the time for sheer inspiration; everybody else is sleeping, my side of the world is still and I am free to connect myself with the universe to be endowed with what I have to do universe to be endowed with what I have to do.

Curiously, I´ve never had the habit of sketching much and in these pieces I don´t at all. This has to do with the desire of letting myself flow rather than having a clear intellectual objective in mind as to where I have to go (conversely to what happens when I have to design / illustrate for a brand or a client)

This creates a totally free dynamic which shapes itself as if it were a dialogue between the screen and my mind, wondering at every instant what and how it wants to be. Then, as if by a magic touch, I find myself gazing at something, which only a few days ago was a great white mass of NOTHINGNESS.

In this particular case, the trigger was a look and I ignored what would turn out.

On the other hand, as I have already commented, I am self-taught at illustration and that´s the reason why my technique comes from what I am experiencing as I go along with each piece and the needs I have.

Photoshop is the tool I use in 99% of the cases; the most I can do is sketch some sort of mask in Freehand, though many times it´s simply a stroke to guide me.

The tool I usually use in Photoshop is a brush with an aerographic point which looks like hair with which I draw the first strokes and bases. Then I slide the tool with my finger, which – depending on the intensity I choose - gives me the chance to create volume and a texture similar to that of an oil painting.

Normally, I work a great number of elements in layers so as to be able to focus on detail more accurately and I overlap them as necessary. If you could have a look at the drawings in my PC, you´d see they are an infinite heap of layers (or groups of them) identified with a description (when I remember to include it)

I don´t pay much attention to colour when I start with a shape; rather, I choose the tool to adjust colour and saturation and pick out the most suitable one to finish up with the brush again.

As you can gather, tools are not what matters to me; I can work on any version of this software as well as on any computer, be it portable or not (normally a PC), which I only use to access my portable hard disc and give my file a touch whenever I want, i.e. developing a skill to wait for a long time with subhuman patience in view of the slowness of such a veteran processor.

As I see it, neither techniques nor tools matter much when it comes to inspiration as long as we have it clear in our minds what we are looking for and what the best way to fill our souls is, in order to let ourselves flow towards it, be it art or any other thing in this experience called life.

Art Prints: características

La experiencia de comenzar un proyecto profesional como este, es algo, que en lo personal, siempre me ha apasionado, por la oportunidad de conocer y descubrir ese nuevo universo que me espera. Uno de los desafíos mas frecuentes, es plasmar la imagen con la mayor fidelidad a la construida mentalmente, que para ello es necesario, entre algunas cosas, una minuciosa elección de la técnica y el soporte adecuados a utilizar.

Un Giclée es una obra de arte reproducida con tecnología digital inkjet (en este caso con tintas UltraChrome) mediante maquinaria especializada de alta resolución, en variados soportes posibles y con garantía de longevidad. Características suficientes para tomar la desición de utilizar este método.
Los Giclées han estado exhaustivamente analizados por Wilhelm Imaging Research, Inc., una autoridad líder en el cuidado y preservación de impresiones Fine Art, fotografías y películas. Los análisis llevados a cabo por Wilhelm, demuestran que la vida de una impresión Giclée depende de la interacción de distintas variables: las tintas empleadas para la impresión, el soporte donde se imprime y las condiciones de exposición a los agentes o factores contaminantes/decolorantes: la luz y el aire. Las condiciones estándares en que Wilhelm realiza los análisis equivalen a 450 lux durante 12 horas al día. Dicha cantidad de luz es considerada la media normal de una vivienda u oficina. Bajo estas condiciones, una copia Giclée como las que he realizado, al estar expuesta bajo metacrilato UV, tiene una durabilidad superior a 100 años, antes de que alguna alteración en el balance de color sea significativa.

La elección del soporte ha sido el Hahnemühle Museum Etching. Un papel excepcional de 350gm2, de textura suave, blanco natural, 100% algodón, libre de ácidos especialmente diseñado para la reproducción de arte y con una excepcional saturación.
También la selección del taller de impresión ha sido muy importante para para un resultado óptimo de la imagen. De nada sirve nuestro trabajo si este último paso está mal dado.
En este caso los responsables han sido los chicos de GraficArtPrints (Barcelona), especialistas en la impresión Giclée. Como podrás apreciar, cada obra viene con un relieve en seco del taller, certificando el empleo de materiales de la más alta calidad disponibles en el mercado.
Para concluir el trabajo, al dorso de cada obra se encuentra la firma del autor y la numeración junto al Certificado de Autenticidad, avalando la Edición Limitada de 50 ejemplares, y en el caso de las láminas sin enmarcar, todo contenido en un sobre de PVC realizado artesanalmente, para garantizar su protección.

Art Prints: characteristics

The experience of beginning a professional project like this is something I have always been very keen on because of the opportunity it gives me to learn about and discover a new universe. One of the challenges is to produce an image totally truthful to the one construed in my mind and to achieve this goal it is necessary to choose very carefully the technique and support to be used.

A Giclée is a work of art reproduced by means of a specialized piece of machinery of high resolution, with various possible supports and longevity guaranteed using inkjet digital technology (in this case Ultra Chrome inks)

Giclées have been analysed in detail by Wilhelm Imaging Research Inc., a leader authority in the care and preservation of Fine Art prints, photos and films. The analyses carried out by Wilhelm show that the life of a Giclée print depends on the interaction of several variables: the inks used for printing, the support where they are printed and the conditions of exposure to polluting/decolorant agents or factors as are light and air. The standard conditions under which Wilhelm does the analyses are equivalent to 450 lux 12 hours a day; such an amount is considered the mean in the normal life of a household or office. Under these conditions, a Giclée copy like the one I have made, exposed to UV methacrylate, has a durability superior to a 100 years before any significant alteration in the balance of colour is made evident.

The chosen support has been Hahnemühle Museum Etching, an exceptional 350gm2 soft texture, natural white, 100% cotton, free from acids paper with an exceptional saturation, especially designed for art reproduction. The selection of the printing workshop has also been of the uttermost importance to get an optimum image. Our work is worthless if we make the wrong choice at this stage. The people from GraficArtPrints (Barcelona), who specialize in Gliclée impression, are held responsible for this work. As you can see, each piece comes with a dry relief from the workshop certifying the use of the topmost quality materials available in the market.

To end the job, at the back of each piece you can see the author´s signature and piece number together with the Certificate of Authenticity, endorsing a Limited Edition of 50 pieces; in the case of unframed prints, all the contents are enclosed in a craftily made PVC envelope to ensure protection.

3, 2, 1... Allá vamos!

Para el lanzamiento he plasmado 4 obras digitales, que si bien son una pequeñísima muestra (y no necesariamente las más representativas) han sido las primeras en fluir en esta etapa.

En esta oportunidad salen a la luz bajo un formato de Edición Limitada de 50 ejemplares por obra, cada uno numerado y firmado, junto a un certificado de autenticidad. Cuatro piezas materializadas en un papel 100% algodón de 320 grs., libre de ácidos e impresión Giclée con tintas UltraChrome, que combinados a un buen cuidado y un enmarcado òptimo, harán que perduren por más de 75 años en las mismas condiciones.

3, 2, 1…There we go!

For the launch, I have prepared 4 digital pieces, admittedly, a tiny sample (and not necessarily with the most representative ones) but they have been the first ones to flow at this stage.

These four pieces come to light under the 50-numbered-and-signed-piece Limited Edition format, along with a Certificate of Authenticity. They have been made in 100% cotton 320 grs paper, free from acids and Gliclée printing with UltraChrome inks; this careful combination and optimum framing will make them last for over 75 years under the same conditions.

TenshiFish

Título / Title: TenshiFish
Técnica / Technique: Ilustración Digital / Digital Illustration
Impresión / Print: Giclée
Edición / Edition: 50
Medida / Size: 20 x 20 cm. (Papel / Paper 28 x 28 cm)
Año / Year: 2010
Artista / Artist: Arol

TenshiCat

Título / Title: TenshiCat
Técnica / Technique: Ilustración Digital / Digital Illustration
Impresión / Print: Giclée
Edición / Edition: 50
Medida / Size: 20 x 20 cm. (Papel / Paper 28 x 28 cm)
Año / Year: 2010
Artista / Artist: Arol

TenshiCaterpillar

Título / Title: TenshiCaterpillar
Técnica / Technique: Ilustración Digital / Digital Illustration
Impresión / Print: Giclée
Edición / Edition: 50
Medida / Size: 20 x 20 cm. (Papel / Paper 28 x 28 cm)
Año / Year: 2010
Artista / Artist: Arol

NatureEcstasy

Título / Title: NatureEcstasy
Técnica / Technique: Ilustración Digital / Digital Illustration
Impresión / Print: Giclée
Edición / Edition: 50
Medida / Size: 60 x 20 cm. (Papel / Paper 70 x 30 cm)
Año / Year: 2010
Artista / Artist: Arol

Bienvenid@s a mi blog!

Muchos de vosotros me conocéis por mi trabajo en Magokoro, pero si bien esta nueva etapa no tiene (en principio) que ver con el diseño de camisetas, la esencia es la misma y el deseo de expresar a través del arte también.

Tras el cierre de un ciclo, comenzar uno nuevo es algo más que una oportunidad (para mi una bendición) y hacerlo junto a un nuevo año es todo un “subidón”.

Una vez más, entrar en una especialidad que no conoces del todo, la experimentación de técnicas, la investigación de otros soportes, sistemas de impresión, canales, etc. sumado a la oportunidad de descubrir y conocer nuevas personas, hacen que, además de un desafío, sea un inmenso placer.

A pesar de estar siempre ligado al arte, el diseño y el haberlo hecho para trabajos comerciales, pintar e ilustrar libremente (sin dejar que mueran en una cajón) ha sido una materia pendiente desde hace años.

La búsqueda libertad creativa, la necesidad de expresar y absoluta de crear (lo que fuera), el uso terapéutico y espiritual del arte, y un gran número de coincidencias de estos últimos meses, me han guiado hasta aquí, animándome a difundir mi nuevo trabajo, que espero disfrutéis tanto como yo al crearlo.

Welc@me to my blog!

Many of you already know me for my work at Magokoro and although this new stage has nothing to do with T-shirts´design, the essence and my desire to express myself through art is the same.

Having closed a circle, the beginning of a new one is much more than an opportunity (I see it as a blessing) and carrying it out in a new year is “a push upwards”

Once again, meddling in a speciality I do not handle that skilfully is a real pleasure in addition to a challenge; it allows for my experimentation of new techniques, the investigation of other supports, printing systems, channels and the like, plus the chance to meet and discover new people.

Painting and illustrating freely (without letting prints die in a drawer) have been two things I have wanted to do for a long time without success, despite being always linked to art and design, which I have used to do commercial work.

The search for creative freedom, the absolute need to express and create (no matter what), the therapeutic and spiritual use of art and a great number of coincidences over the last few months, have brought me here, encouraging me to make my new work known, which I hope, you enjoy as much as I do when I create it.